這次表演位於台中 Legacy，體感上比台北場的野地方略大。走進位於地下室的場館時，樓梯間貼了好幾張紙「不要懷疑，往下走」「繼續走就對了」，明明是為了讓觀眾有安全感，卻總覺得比較像恐怖片裡會有的指示，有點毛毛的。好在看到地下室的擁擠人潮和漂亮的舞台後，馬上就只剩期待了。
這次看的是他們的巡迴表演〈高中熱音社成發〉台中場，已經聽過一次台北場了，這次再「二刷」確實可以聽到更多之前沒注意到的細節。第一次被震撼太過，只留下一個模糊的總體印象，回家後什麼分析也寫不出來。這次終於有聽到更多低音線條和聲音設計上的巧思，也可以好好地把瞬間感受轉化為文字紀錄。
有關共振效應
像是忒修斯之船的某種現實長相，共振效應創團時的貝斯手跟鼓手後來都因故換了人，只有馮羿留下來，目前一起組團的則是貝斯手大喆跟鼓手邦邦。有趣的是，整團的 vibe 在我看來卻沒有太大的轉變，也許真像某種忒修斯之船的哲學解釋：重點在於被延續的身份，新成員在加入的那一刻，也就成為了這艘船的一部分。
以我的理解，這個團目前還是以馮羿為主，感覺上有點像 Polyphia 的 Tim Henson，或接近 Miles Davis Quintet 的概念：以他的想法出發，所有團員來一起執行，並在過程中碰撞出新的火花，最後形成單靠任何一個人都沒辦法產生的音樂樣貌。
聲音設計的巧思和比例
開場的〈粉紅水滴〉一直是我的個人偏愛。從輕輕的水滴聲開始，低頻與高頻伴隨著粉紅噪音逐漸疊加出不安，情緒拉緊後，一個漂亮的停頓，燈光亮起，慵懶的電吉他和肥厚的貝斯隨之進入，用略帶迷幻的氛圍建構出一個瑰麗的夢境。接著無縫銜接進〈解〉，帶有電子感的合成器音色在反拍間跳動，當他們一起大聲喊出「大家好我們是，共振效應！」，充滿活力的電吉他跟華麗的鼓點直接點燃了現場氣氛。
馮羿平常表演差不多已經是同時當主唱跟主吉他，一個人做兩份工作，這次表演又多了一個「電話」效果器可以玩。也不知道是不是我的錯覺，他的效果器盤好像又長大了，而且表演裡多了不少台北場沒有的東西，有點像他之前在 IG 直播裡玩合成器的那些聲音。才花幾百塊就可以看到這麼炸的表演，也不枉費我大老遠開車來台中聽。
整體音量我覺得可以小一些，貝斯旋律部分反倒可以多推一點，聽下來他們其實有寫了很精彩的 Bass line，但受限於音量平衡，有時聽不太清楚，滿可惜的。鼓在音量比例上感覺太重，尤其場地又不大，實在有點太震耳欲聾。馮羿唱歌時也因此被壓過，為了要把主旋律亮出來只好再把音量往上拉，這讓我走出場館時還得反覆確認我的耳朵是不是仍健在。不過畢竟是搖滾樂團1，搞不好這其實是很標準的音量，只是我還不太習慣這個文化。
人生第一次「開圈」
說到搖滾音樂的文化，每次要去專場，我反而都會有點拘謹，生怕自己太不嗨。他們說等一下唱到〈高中熱音社指南〉的時候要「開圈」，大喆在台上指揮：「反正就是到時候你們要分開到兩邊，把中間清空，然後再開圈。」我心想，你們倒是說一下什麼是開圈啊，難道是大家圍一圈跳舞嗎？後來我隨著人潮靠到牆壁邊，但實在不知道要怎麼做，只好盡可能躲到角落靜觀其變。音樂一下，我就看到兩邊的人衝出來，毫不客氣地往對面的人身上撞過去。如此場景讓我情不自禁的「哇靠」了一下，算是長見識了。這個時候就會覺得，音樂廳的冷氣應該跟這種場館互換一下，把那種凍死人的冷氣移到這裡來，反正大家一直要跳要跑，這樣才不會出來時滿身汗。
開完圈後大家回到中間，位置重新洗牌，我意外站到比較前面，除了可以近距離欣賞主唱大人 solo ，居然也難得可以看到邦邦打鼓的樣子，上次一整場就只有看到他鼓組一小角。原來他把繁複鼓點化為現實的樣子如此華麗，平常看影片不明顯，到了現場才能感受到那種完全不一樣的震撼。
節拍與旋律的互動
共振效應這種技術型的演奏團，在樂器間的互動關係上有很精細的設計，有尤其多 call and response ，常常由一個人丟出動機，再看看其他人怎麼回應。尤其是演到〈Blues Jam〉的時候，每個人都使勁拋新的東西出來，火花四濺的感覺特別刺激。
聽現場演出時，律動感會變得格外明顯。平常聽音樂，如果不特別分析，節拍可能就直接流過去了，但在現場，鼓點直衝腦門，就很容易注意到律動的轉換。像〈起床〉這首曲子是 7/8 拍，好玩的是這個七拍有時候詮釋成 4+3，體感上像少半拍，會有往前多跳一步的感覺。後來又轉成 6+1，反而像是停了一下。
除了拍子轉換，他們還喜歡玩節奏位移：在拍號不變的前提下，讓同一句 riff 在不同的拍點出現，節拍重心的轉換，讓同樣的樂句也能帶來新鮮感。另外，出乎預期的重音也是讓音樂活起來的重要成分。某首 4/4 拍的曲子裡，馮羿故意把重音下在第四拍的後半拍，製造出一個特別明顯的頓點，讓人會心一笑。有時他丟完一個有趣的動機或一句特別的插句後，還會環顧台下，像是在看有沒有人注意到他剛剛彈了什麼有趣的東西。
熱鬧過後的寂靜
隨著表演來到尾聲，當藍色的光束浸染了整個舞台，安可曲〈交織〉的前奏再次響起時，也意味著告別的時刻即將到來。每次聽見這首曲子，都會回想起自己喜歡上共振效應的那個瞬間。
回到了車上，場館裡的喧囂頓時被隔在車外，只剩冷氣低低嗡鳴著，方才過於飽滿的聲音和畫面，在安靜中逐漸沉澱，思緒最後卻仍落到了馮羿身上。
馮羿大概是我心目中「天才」一詞的具象化。演奏時活力四射，肆意奔放得令人著迷。他在舞台上時彷彿無所畏懼，既有天馬行空的音樂想像，也有足以支撐這些想像的技術。我對他的第一印象是個可愛的神童，圓圓的臉蛋配上亂翹的捲髮，手上的技術卻又好得不可思議。後來會注意到共振效應，是在網路上偶然看到馮羿自彈自唱(?)〈高中熱音社指南〉，我才突然發現當年的小天才已經長大了，還組了自己的樂團。
在演奏的角度，雖然樂器不同，但我們的演奏方式根本天差地別，我個人自認肢體動作是比較收斂的。當然，這是好聽的說法，直接的說法就是放不開、畫地自限，除了內向的性格使然，再來就是對於舞台的恐懼常常佔上風，用冷漠來武裝自己的害怕。與其說我多喜歡他的音樂，不如說這個人本身讓我移不開眼。我羨慕那樣的舞台人格，每次看著他的時候，也如鏡面反射般照出了理想中的自己。
看表演時，目光總是不自覺落在馮羿身上。他的瀏海又長了，低頭時微微垂下蓋住眼睛，在舞台冷光的照射下輪廓更加深邃，沒有笑容的時候帶有一種近乎漠然的神性。我可以在人群中看著他，或者在當他看向台下時與他對視。但當舞台燈光熄滅，走到了現實世界裡面對面時，我反而有點不敢直視他。也許這就是我們之間的距離，當他承載了我的想像，他的目光也就變得難以承受。